EL ORIGEN DEL MUNDO - GUSTAVE COURBET

Gustave Courbet, en 1866, pintó un cuadro. Un óleo sobre lienzo. El cuadro muestra la vagina, el pubis, las piernas abiertas y parte del vientre de una mujer acostada sobre una sábana blanca. 

El cuadro es El origen del mundo. A Courbet no se le ocurrió llamarlo así. Pero, desde comienzos del siglo XX, es el nombre con el que se le reconoce. El anticuario Antoine de Narde lo compró en un remate. 

Más de veinte años después, el cuadro es visto en una casa de antigüedades y está cubierto por otro cuadro de Courbet: un paisaje, La casa de Blonay. En 1913, los dos cuadros, siempre uno cubriendo al otro, aparecen en la Galería Bernehim-Jeune, de París. Nadie sabe quién es el dueño del cuadro. El conde Ferencz Hatvany era pintor y coleccionista. Exponía en esa galería. Decidió comprar todos los cuadros de Courbet. Los llevó a Hungría y procedió como todos los propietarios anteriores de El origen del mundo: lo mantuvo oculto bajo otro cuadro. 

Los alemanes invadieron Hungría y, como lo hicieron en toda Europa, se robaron las obras de arte. La obra de Courbet fue con ellos. Los rusos la recuperaron y la devolvieron a la familia Hatvany. El conde se fue a París y, en 1955, le vendió el cuadro a Lacan.

Cuando Lacan compró El origen del mundo lo llevó a su casa de campo. Le pidió a André Masson, cuñado de su amante y posterior segunda esposa, Sylvia, que pintara un cuadro para ocultarlo. Así, El origen del mundo permaneció escondido durante años. Lacan se murió en 1981, de modo que por más de veinticinco años nadie, excepto unos pocos, supo que Lacan era dueño del cuadro. Él pudo mantener el secreto. Cuando se murió, hubo deudas importantes en la sucesión y el estado francés embargó los bienes de Lacan. Entre las posesiones, encontraron el cuadro. De esta manera, El origen del mundo pasó a ser de Francia y se exhibe en el Museo D´Orsay.

MUCHACHA DE ESPALDAS - SALVADOR DALÍ

Retrato Muchacha sentada / Muchacha de espaldas - SALVADOR DALÍ

1925

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Dalí creció en un ambiente familiar muy particular. El padre era un abogado, estricto y conservador, y la madre una mujer un tanto más moderada de carácter. Ellos son padres especiales y lo educan de una manera especial.

Antes de nacer Salvador, nueve meses antes, había muerto otro Salvador. Su hermano. Los padres, gente educada de Figueras, catalanes creyentes, decidieron sustituir al niño muerto de tres años por el otro. Así que le pusieron Salvador, como al muerto. Esperaron un poco y, al llegar el nuevo Salvador a los cinco años, lo llevaron a la tumba de su hermano. Muy emocionados, le dijeron a Salvador que él era la reencarnación de su hermano. Claro, el niño creció con complejos. Estaba convencido de ser el el hermano muerto. En realidad, esta idea nunca lo abandonó por completo.

Tenía a su hermana Ana María y la pintó varias veces. En una de ellas, pintándola de espaldas, asomada a la ventana, mirando el mar y las casas de la orilla opuesta, logró una de sus obras más interesantes y sugestivas.
Era Dalí antes del surrealismo.

LOS NIÑOS MUERTOS - OSWALDO GUAYASAMÍN

El 28 de agosto de 1932 comenzó en Ecuador “la guerra de los cuatro días”. En las elecciones presidenciales, Neptali Bonifaz logró el triunfo. El partido gobernante, representante de las clases altas, maniobró en el Congreso y Bonifaz fue declaró incapacitado para asumir la presidencia. El motivo fue acusarlo de haber aceptado, en su juventud, la ciudadanía peruana.
Bonifaz decidió defender el triunfo electoral y, apoyado por sectores minoritarios del ejército y una gran mayoría de obreros, intentó asumir. Hubo una dura represión y la lucha se extendió por las calles durante cuatro días. Al fin de la batalla, Bonifaz quedó fuera de la política y ambos sectores declararon: “no hay vencedores ni vencidos”. Solamente dos mil personas muertas.
Guayasamin es un adolescente cuando presencia estos sucesos. En ellos muere su mejor amigo, otro adolescente, en una manifestación. Años después, convertido en un potente artista de denuncia social, intensamente preocupado por los problemas humanos, la violencia, la pobreza y la injusticia, pinta lo que ha visto en 1932, representándolo con su cuadro “Los niños muertos”, simbolizando con ellos a todos los inocentes que murieron inútilmente.

BELLAS MUJERES CHINAS CON ADORNOS FLORAL - ZHOU FANG

Por su ubicación geográfica, China se mantuvo aislada del mundo que la rodeaba hasta el siglo IV d.c. 
A pesar de esto, produjo un arte con elementos verdaderamente originales. 
Una de las artes chinas más bellas y desarrolladas fue la pintura, la cual se hacía principalmente sobre seda y con la técnica de la aguada; sin embargo, también existió otro tipo llamado laca, que se trabajaba sobre cartón o madera. En cuanto a la temática, esta era por lo general naturalista, y es común ver representadas figuras humanas, animales como aves y variadas flores.
La historia de la presencia de la mujer en las obras de arte chinas es larga y se remonta al Periodo de los Reinos Combatientes y la dinastía Han del Oeste, cuando imágenes femeninas eran pintadas sobre tejidos de seda.

Zhang Xuan y Zhou Fang son dos de los artistas más representativos de la época.

Os dejo una pintura en seda de Zhou Fang.
Zhou Fang fue uno de los dos pintores influyentes durante la dinastía Tang medio. También fue conocido como Zhou Jing Xuan Zhong y Lang. Zhou vivió en la capital Tang de Chang'an, que ahora es el moderno Xi'an, en el siglo octavo. Venía de una familia noble y esto se reflejó en sus obras, que incluyeron damas de la corte que adornan sus cabellos con flores.

¿DE DÓNDE VENIMOS? ¿QUÉ SOMOS? ¿HACIA DÓNDE VAMOS? - PAUL GAUGUIN

Pintura llena de símbolos, ideas, sensaciones y que muestra la esencia del ser humano: nuestra búsqueda del sentido de la existencia.
Una verdadera reflexión pictórica sobre el ciclo nacimiento-vida-muerte, sobre nuestra identidad y sobre nuestro destino. 

La desesperación llevará a Gauguin a intentar suicidarse en diciembre de 1897. El artista recibe la noticia de la muerte de Aline, su hija de tan sólo 21 años. Esto, junto con su desastrosa situación económica, el quiebre de su matrimonio y su deteriorado estado físico debido al alcoholismo y la sífilis, lo llevan a cuestionar seriamente su propia existencia. Este es el precario estado emocional en que se encuentra Gauguin cuando comienza su monumental lienzo, donde tan exitosamente logra desarrollar su doctrina filosófica y pictórica.
¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Hacia dónde vamos?
Las tres preguntas son las típicas que un tahitiano hace a un extraño que se encuentra por el camino: ¿quién eres? ((o vai ´oe?), ¿De dónde vienes? (nohea roa mai ´oe?), ¿Dónde vas? (te haere ´oe hea?).

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO - FRANCISCO DE GOYA

Uno de los cuadros de temática histórica más dramáticos de toda la historia del arte. Estamos en el 1814 y Goya, llevado por la intensidad dramática de los hechos que narra, supo expresar en toda su violencia, aunque con sobriedad y eficacia extremas, la crueldad inexorable del ser humano, y a la vez su exasperado y rebelde deseo de libertad. 

Se sabe que Goya observó estos cruentos episodios desde su quinta y que tomó apuntes la misma noche en que acontecieron los hechos, de donde proviene el extraordinario realismo de su pintura y su profunda sinceridad. 

Los soldados encargados de la ejecución aparecen como autómatas despersonalizados, sin rostros y en perfecta y disciplinada formación. Las víctimas, por su parte, constituyen un agitado y desgarrador grupo, cuyos rostros expresan el horror. Los cuerpos de los muertos se encuentran amontonados, en retorcido escorzo, sobre el suelo ensangrentado. Un enorme farol ilumina violentamente una figura arrodillada, vestida con camisa blanca y con los brazos alzados, que está a punto de ser fusilada y que es el principal punto de atención del cuadro. Detrás de esta figura otros personajes presencian el drama; unos se tapan los oídos para no oír los disparos, otros esconden el rostro entre las manos para no presenciar el horror.

ALEGORÍA DEL TRIUNFO DE VENUS - ANGELO BRONZINO

Alegoría del triunfo de Venus,  también conocida como Alegoría con Venus y Cupido o Alegoría de la Pasión, es una obra pictórica de Bronzino realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550. 
En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia  y los celos producen consecuencias trágicas.

Detalle del beso

GERNIKA - PABLO PICASSO

Uno de los cuadros más conocidos de Pablo Picasso, lo hizo como encargo del gobierno español por motivo del bombardeo en Guernica. Los tonos grises se explican porque la primera noticia que tuvo Picasso del bombardeo fue a través del periódico. Se dice que en 1940 un oficial alemán le preguntó a Picasso que si era él el que había hecho eso. El pintor respondió: No, han sido ustedes.

El cuadro de Gernika, está pintado en blanco y negro, con diferentes tipos de grises y hasta unos tonos azules que apenas se aprecian. Es posible que esta elección de color se deba a que Picasso se percató del bombardeo por parte de la aviación alemana a la ciudad vasca de Gernika (1937) a través de los periódicos. Otra explicación es que el pintor malagueño quisiera transmitir su pena, angustia e indignación representando este ataque como una obra teatral.

Para realizar esta obra de enormes dimensiones (349 x 776 cm) recorrió al cubismo para dar un aspecto más agonizante. Las diferentes figuras del cuadro presentan grandes bocas abiertas, ojos desorbitados y cuerpos deformados.

El Gernika representaba un grito contra la ideología y política franquista y fue presentado el mismo año del ataque a la ciudad vasca. Pero a causa del franquismo, tubo que ser retirado y hasta cincuenta años después no pudo ser devuelto.

LA GIOCONDA - LEONARDO DA VINCI

Se pintó hace quinientos años, ahora han descubierto que en sus ojos hay escritas letras. Son invisibles al ojo humano y pintadas en negro sobre verde-marrón, están las letras LV en su pupila derecha, obviamente las iniciales de Leonardo, a pesar de que sigue habiendo gente que cree en secretos oscuros y siniestros. Lo que si se sabe es que lo pintó cuando estaba en Milán en la década de 1503-06, usando como modelo una mujer de la corte de Ludovico Sforza, el duque de Milán. La protagonista del cuadro es Lisa Gherardini, una dama florentina casada con Francesco del Giocondo, banquero napolitano. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre, protegida por un panel blindado y envuelta en un remolino de turistas que la fotografían sin cesar.

La Gioconda es el cuadro más famoso que existe. De ahí que aunque nunca haya sido tasado, si lo fuese, probablemente alcanzaría la cifra más alta de la historia del arte. Por ello, no es extraño que fuese robado del Louvre por Vicenzo Perrugia (pintor italiano) en 1911 aunque apareció dos años más tarde en Italia.

Autor: Leonardo da Vinci
Fecha: 1503-6
Museo: Museo Nacional del Louvre 
Características: 77 x 53 cm.
Estilo: Renacimiento Italiano 
Material: Oleo sobre tabla 

EL CERROJO - JEAN-HONORÉ FRAGONAD

El Cerrojo sintetiza visualmente la instantaneidad de la seducción: un joven libertino (noble, ateo, hedonista, decadente, bello) consigue vencer los principios morales de una mujer sin tacha (noble o gran burguesa, joven y bella, casada y fiel o virgen) gracias a un proceso de seducción basado en el coup de foudre, es decir, en la instantaneidad. Los personajes quedan encerrados, por un cerrojo, separados del mundo. Empieza el placer.

El cerrojo (1778)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 73 x 93 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: Jean Honoré Fragonard

La cama es el cuarto protagonista de esta escena. 

Tenemos el piso y la pared de la puerta con su luminosidad, y tenemos la cama y su penumbra; todo queda plenamente descrito, agregando la doble gestualidad del hombre; no la suelta a ella, mientras cierra la puerta. Un cerrojo funcionalmente mal colocado sirve para la exageración del gesto de él y la entrega arrobada de ella; está arriba el dispositivo, lo que le permitirá a la puerta entreabrirse abajo un par de centímetros cuando se la intente abrir desde afuera. Y esto no es menor; Fragonard se permite colocar mal un cerrojo, para poder forzar la actitud del hombre.

Erotismo galopante al servicio de la luz y viceversa.

LA LEOCADIA - (de las pinturas negras) - GOYA

La Manola, Leocadia, pareja de Goya desde que quedó viudo allá por el año 1812. Aparece vestida de luto, con un velo y apoyada en una tumba, pudiendo aludir a la grave enfermedad que sufrió Goya en 1819 y que a punto estuvo de costarle la vida. Cuando se referían a ella decían La Leocadia o Una amante de Goya, decoraba una de las paredes de La Quinta del Sordo.

HOMBRE EN SU BAÑO - GUSTAVE CAILLEBOTTE

El cuarto, bañado de luz, se representa en esta perspectiva aguda tan típica de la mayoría de las pinturas de Caillebotte. Se refleja  una calidad erótica casi físicamente palpable, me encanta. Lo pintó en el año 1884,  uno de los mejores pintores impresionistas del siglo 19, conocido por sus escenas de la vida urbana en París, con escenas donde la perspectiva fuerte y atrevida ilustran vívidamente el cotidiano. 

En la Historia del Arte hay muchas representaciones de cuerpos masculinos desnudos: pero entre los héroes griegos , los guerreros caídos , dioses e imágenes de Cristo no existe hasta ahora ningún hombre en el baño. El baño y todo el ámbito de" hacer el aseo " vestirse, peinarse, etc, estaba reservado a las mujeres . Entre los impresionistas , la mujer en el baño ocupó un puesto importante. Solo Degás dedicó más de 200 obras a este motivo, Caillebotte , un admirador de Edgar Degás, poseía dos de ellos en su propia colección.

El cuerpo humano se presenta en un contexto nuevo , con lo que se cuestiona la división de papeles : hasta finales del siglo XIX , el hombre aparecía como conquistador , como la figura dominante en todos los níveles de la vida privada y social. Al comenzar la modernidad , el movimiento de emancipación de las mujeres y la imposición social de valores y normas burguesas como la limpieza y la higiene corporal , el papel masculino se puso en cuestiónos hombres de Caillebotte son modernos ya solo por el hecho de poseer una bañera , en  aquel entonces una novedad absoluta en el ámbito privado, , que solo estaba al alcance de las clases medianas superiores.

MIMETISMO - REMEDIOS VARO

La carne se le ha puesto igual que la tela del sillón y las manos y pies ya son de madera. El gato que salió a cazar, sufre susto y asombro al regresar cuando ve la transformación. En el primer piso de la casa de atrás, a la derecha, vive un caballo.

Mimetismo, un cuadro en que la mujer lleva tanto tiempo sentada en una butaca que la tapicería de flor de Lis se ha extendido por su piel. Data del año 1960.

Su obra refleja la unidad cósmica y las interconexiones entre diferentes planos de la realidad , la materia y el espíritu, el mundo animal, el mundo humano y vegetal.

Los paisajes de sus obras solían ser solitarios, silenciosos y lejanos, con ciudades dormidas, calles desiertas, castillos y escalinatas. Lo inerte puede cobrar vida, y la alquimia y las ciencia ocultas impregnan algunas de sus grandes obras, como "La creación de los pájaros" (1958) o "La exploración de las fuentes del Orinoco " (1959). Otro de sus grandes motivos es el de la mujer-maga , poseedora de poderes mágicos, así como las mujeres que vuelan en máquinas fantásticas por encima de las nubes, un eco, sin duda , de la profesión de su padre. Se inspiraba y encarnaba en la fascinación de lo surrealista por la mujer maga, más  ligada  al inconsciente  y a  las  fuerzas ocultas que del  hombre y portadora  de  poderes  superiores.

Remedios Varo circuló en el medio surrealista de André Bretón al ser una artista universal conectada con su ser consciente y onírico. Para la artista de origen español, las ciencias fueron un tema recurrente y de gran interés, el cual acompañó de figuras estilizadas, simbolismos y arquetípicos psicoanalíticos que permanecen como elementos de su obra. 

EL PINTOR Y SU MUSA - PABLO PICASSO

La historia del cuadro se remonta a 1927 cuando Pablo Picasso vio por primera vez a la joven francesa que acabaría siendo su musa, Marie-Thérèse Walter . En aquel entonces la joven solo tenía diecisiete años y ambos iniciaron una aventura amorosa a pesar de que el pintor continuaba casado con la rusa Olga Khokhlova.
Durante años mantuvieron la relación en secreto aunque en sus obras solo se observaban referencias veladas a la joven hasta enero de 1932.

DESNUDO SOBRE UN SOFÁ ROJO - SUZANNE VALANDON

Desnudo sobre un sofá rojo (1920-29)

Suzanne Valandon o Marie Clèmentine (su verdadero nombre) fue pintora famosa y madre del genio Maurice Utrillo. Suzanne Valadon era modelo de pintores. Esto no es nada raro. Pero Suzanne fue la modelo de los más importantes pintores del siglo XIX y comienzos del XX. Ella es la mujer retratada en muchas obras maestras. Suele no parecer la misma. La mirada del artista la ha transformado. El artista la adapta a la necesidad del tema que trata. Pero siempre es ella la que está ahí.

Conoció a Toulouse-Lautrec, Renoir, Degas..: "Eran todos unos idiotas, pero es curioso, nunca dejo de pensar en ellos", contó sobre los viejos tiempos. Era una mujer desinhibida, de hermoso cuerpo, todos los pintores cayeron a sus pies, pero la abandonaban, no supieron ver su calidad como ser humano.  

ANÉMONAS EN UN FLORERO CHINO - JEAN ÈDOUARD VUILLARD

Naturaleza muerta, pintura post-impresionista que terminó de pintarla en 1901. Es de la época que entró en el grupo de los nabis. Le fascinaba el arte oriental. A mi, personalmente, me gustan mucho sus pinturas que representan escenas costumbristas, la minuciosidad y el colorido. 

ANITA, LA MAJA ORIENTAL - KEES VAN DONGEN

Se vislumbra el vínculo de Van Dongen con esta mujer de origen oriental, por la sensualidad que desprende y por el cuerpo expuesto sin pudor. E incluso la intensidad del color hace referencia a la relación entre ellos. Hay detalles exquisitos, la liga rosa atada al muslo por debajo del pubis, el pecho alto y claro, joyas y baratijas y, sobre todo, la boca abierta que al igual que los ojos son reflejo de evidente placer. Todo ello de una sensualidad excepcional.

Kees van Dongen lo pintó en 1905.

MUJER SENTADA CON LOS MUSLOS SEPARADOS - GUSTAV KLIMT

El estudio de Klimt estaba siempre lleno de modelos, mientras él estaba sentado y silencioso ante su caballete, ellas, se paseaban arriba y abajo, se desperezaban y alegraban la estancia, siempre preparadas para responder a una señal del maestro y quedarse quietas cuando él observaba una postura, un movimiento que su sentido de la belleza le pedía que dibujase rápidamente. En estos dibujos nos encontramos, quizá, con las imágenes más eróticas del pintor, realizadas de manera rápida, mostrándose el espectador como un auténtico voyeur, de la misma manera que ocurre con las bañistas de Degas.

WALLY CON CAMISA ROJA, 1913 - EGON SCHIELE

Con camisa roja y poco más, como nos tiene acostumbrados el artista. Wally fue Valerie Neuzil, una joven de diecisiete años, amante de Schiele que le sirvió de modelo para algunas de sus mejores obras y con la que huyó de Viena para instalarse en el campo, en Krumau, lo que hizo que fuese acusado de corrupción de menores.

Los cuadros de Schiele, eróticos en su mayor parte, retratan a la mujer sin pudor, expuesta con crudeza rallando a veces el mal gusto pero sin duda el amor, cariño y admiración que siente por el sexo femenino se reflejan también en su obra.

Hay que mirar sus obras siempre con la mente abierta y libres de prejuicios.