LA TENTACIÓN DE SAN ANTONIO - PAUL CEZANNE

La tentación de San Antonio, pintado en el 1877, es una pintura que la hizo Cezanne en su etapa neo-clásica.

Retirado en el desierto, el eremita Antonio (San Antonio Abad o San Antón, nace en Egipto hacia el año 250), es asaltado por visiones diabólicas, a veces de alto contenido erótico. En estas tentaciones entra en escena el voyeur, el mirón, con su ambigua actitud, entre la resistencia y la complacencia, entre la distancia visual y el acercamiento táctil.

El cuadro representa a San Antonio en una situación comprometida y llena de tentaciones. Los colores oscuros acentúan el carácter diabólico de la situación, y Cezanne usa un tema religioso para dar rienda suelta a sus temores y pasiones...

Si lo cometamos de forma mitológica podríamos decir que, tal como quiere dejarle para la posteridad la iglesia, se trataría de un monje cristiano que entregó gran parte de su vida al ascetismo y, aunque en menor medida, a la prédica.  A través de los siglos,  ha sido tomado como modelo de santidad y pureza a raíz de su dedicación a la vida ascética y la defensa de los valores de la Cristiandad. Lo realmente interesante respecto a este sujeto es que, justamente, debido a que pasó muchos años viviendo en absoluta soledad en medio del desierto, surgió una serie de anécdotas en torno a él, casi todas por completo inverosímiles.

Y si lo comentamos desde el lado pictórico, tenemos a otros pintores que retomaron este tópico de las tentaciones de San Antonio, que son El Bosco, Jan Wellens de Cock, Diego Rivera y Dalí. En la pintura del Bosco, por ejemplo,  se representa a san Antonio Abad como un anciano con el hábito de la orden y con un cerdo a sus pies. Todos son muy interesantes, desde todos los aspectos.

MARÍA CAYETANA DE SILVA, DUQUESA DE ALBA - FRANCISCO DE GOYA

María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo enviudó de José Álvarez de Toledo y Gonzaga en 1796, a la temprana edad de 34 años. Fue una mujer hermosa, sensual y liberal para la época, de la que el Marques de Langle en su obra “Viaje por España” (Voyage en Espagne) llegó a decir:

“La Duquesa de Alba no tiene un solo cabello que no inspire deseo. Nada hay más hermoso en el mundo. Ni hecha de encargo podría haber resultado mejor. Cuando ella pasa por la calle, todo el mundo se asoma a las ventanas, y hasta los niños dejan de jugar para mirarla.” 

A la Duquesa se le atribuyó un romance con Goya, siendo "musa" de varias de sus obras mas importantes.

La pareja se conoce en los primeros años de 1790, cuando el pintor se introduce en el círculo aristocrático a través de la Duquesa de Osuna.

En 1795 retrata al Duque y a la Duquesa de Alba, por separado.

Al enviudar la duquesa, el pintor acompaña a la duquesa a Sanlúcar de Barrameda, un hecho que escandaliza a la corte de Carlos IV. Se escribió y criticó mucho sobre este hecho en su tiempo. ¿Pero realmente llegaron a ser amantes o solamente fueron buenos amigos? . En Sanlúcar, Goya comenzará a dibujar lo que acabaría denominándose su “Álbum de Sanlúcar”. En sus dibujos aparece la duquesa junto a su hija adoptiva, María de la Luz, una niña de ascendencia africana. La duquesa no pudo tener hijos legítimos con el duque de Alba por lo que ambos adoptaron a esta niña que tanto sale dibujada junto a ella en el álbum de Sanlúcar.

Detalle del cuadro

De regreso a Madrid, la relación de ambos continua. La obsesión de ambos por estar juntos siguió latente, sobre todo en las siguientes pinturas del artista, en “La maja desnuda” y en “La maja vestida”. Poco se sabe si realmente la joven que posó para ambos lienzos fue la duquesa de Alba, aunque sea la cara de la modelo la misma de la duquesa.

Doña Cayetana tenía un fuerte temperamento y era conocida en los barrios de Madrid por disfrazarse de maja y participar en las fiestas populares.

Fue protectora de actrices, poetas y pintores, llegando a disputarse los favores de los bellos jóvenes con otras cortesanas, incluso con la propia reina, Maria Luisa de Parma. 

El 23 de julio de 1802 la Duquesa de Alba fallece tras una corta y extraña enfermedad que públicamente se atribuyó a un envenenamiento por parte de la propia Reina y Godoy. Tan sólo tenía 40 años.

EL FAUNO Y LA BACANTE - WILLIAM-ADOLPHE BOUGUEREAU

Cuadro pintado en 1873,  Bouguereau nació en La Rochelle, 1825-1905. Sus pinturas son realistas y de temas mitológicos. Hoy escogí esta obra que me gusta mucho, de entre las casi 700 obras que hizo.

Se encuentran en un claro, dentro de la espesura del bosque. Él que deambula por los valles y llanuras, propiciando fertilidad a la tierra y tal vez un augurio a algún soñador que se permita caer adormilado sobre la lana del cordero sacrificado. Ella, de apariencia tentadoramente dulce, piel lisa al tacto y apetito desenfrenado. No conoce límites sus ansias de lujuria que se vierten en un mar de energía cuando su cuerpo danza desnudo sin percatarse del amanecer.

El fauno busca dominarla, rodeándola con el brazo, como custodio de su espigada espalda que parece extenderse... alargarse hasta la inconmensurabilidad y ya habiéndola sostenido, la condena al placer de su deseo, con una mirada explotando en lascivia que reposa en sus pechos. Mas ella pareciera leer sus pensamientos y aunque complacida, con una sonrisa sincera pero indiferente parece ya insinuarle que la única condena será la suya, al ser muerto en honor a su señor Baco.

La maldición del pobre Fauno

RAFAEL Y LA FORNARINA - DOMINIQUE INGRES Y PICASSO

Rafael y la Fornarina, 1814
Jean-Auguste-Dominique Ingres, (más conocido como Dominique Ingres)
Óleo sobre lienzo.
Fogg Art Museum
Neoclasicismo Francés


En esta pintura el autor hace un homenaje a Rafael y a su modelo de mujer, la Fornarina, modelo y amante del pintor. Ingres trató varias veces el tema de Rafael, su artista preferido, captado en la intimidad del taller con la Fornarina, "sentada" en su regazo. Junto a la pareja de amantes vemos un fondo con la Virgen apoyado en la pared del fondo y un lienzo con una pintura de la Fornarina, que tiene el mismo aspecto que la mujer.

Un siglo después Picasso recoge esta temática erótico-amorosa de la vieja historia de amor de Rafael con su amante y encarna esta idea del "artista enamorado de su musa", idea que Ingres ya planteó en esta última obra. Algo que tomará Picasso de Ingres es en explorar el erotismo de sus obras y usar esa construcción temática y formal a su corpus de obras de carácter erótico.

Rafael y Fornarina
Pablo Picasso, 1968
Grabado

En este caso tenemos de ejemplo uno de los grabados de la serie "Rafael y la Fornarina XIV" del año 1968, grabado en cobre donde vemos la representación sexual y erótica, explícitamente gráfica (léase pornográfico) del encuentro amoroso del pintor renacentista Rafael con su famosa amante "Fornarina", la amante que lo mató de agotamiento.. 

La calidad de las líneas y la formación de los cuerpos retorcidos resalta con el carácter impúdico de la escena que pierde el halo de la belleza erótica clásica que siempre estuvo presente en las artes gráficas en Occidente. Picasso, de esta forma, transgrede las normas y muestra sin pudor este tipo de acto sexual sin tapujos ni consciencia moral. Esta obra del artista malagueño expresa lo que es, sin duda, la culminación del acto amoroso del artista Rafael con su amante, una culminación que no se llevó a cabo, por ejemplo, con las obras de Dominique Ingres sobre el mismo tema.

Rafael y Fornarina, Suite 347
Pablo Picasso, 1968
Grabado

Los atrevimientos que pueden verse en estas secuencias no los había tenido nunca en lienzo. Allí afloran sentimientos escondidos, sobre todo, el deseo, la mujer y detrás de ella el rostro de un hombre barbudo, su propia persona. Son imágenes en las que se despliega con lucidez las ecuaciones entre arte/erotismo, pintura narrativa/potencia sexual y contemplación/voyeurismo.

En definitiva, en sus años de viejo verde, Picasso realizó una serie de grabados eróticos sobre el tema del pintor y la modelo titulados Rafael y La Fornarina (pertenecientes a la Suite 347), con diferentes escenas en las que el pintor se revuelca con la modelo ante la mirada indiscreta de algún voyeur (que muchas veces es el Papa)

FRIDA KHALO - ÁRBOL DE LA ESPERANZA, MANTENTE FIRME

Frida se mueve en su pintura, entre el cielo y la tierra. Así en "Árbol de la esperanza mantente firme", asume por un lado su condición femenina al situarse en el espacio de lo oscuro - hija de la luna -; y, además, aquí se concibe y se manifiesta como "ser entero", se apropia del símbolo masculino /rosetón rojo en el pelo / tocado de plumas de águila/, que al indio le permitían acercarse a la naturaleza solar / sol dios masculino, águila.

Árbol de la Esperanza/1946

En este mismo cuadro, aparece una Frida, que bajo el dominio masculino (sol), es un ser quebrado, lacerado, sin rostro ... sin discurso.

En cambio, en el lado oscuro, tiene los adornos que la acercan a los dioses - y los elementos que la acercan a su pueblo: el exvoto "Árbol de la esperanza mantente firme".

Frida pintó este doble autorretrato, tras una operación quirúrgica frustrada en Nueva York que le tendría que haber recompuesto de las secuelas de la poliomielitis y del accidente de tráfico que sufrió a los 16 años dejándola aún peor de como se encontraba con unas terribles cicatrices de las cuales ella misma expresaba «esos cirujanos, hijos de perra, mira como me han dejado»

Sin embargo aunque en la mayoría de sus pinturas resalte la crudeza de sus sufrimientos esta mexicana nunca dejó a un lado el optimismo que la hacia mantenerse en pie. Y que mayor ejemplo de lo que digo que esta hermosa obra de arte donde se entremezcla agonía con esperanza .

Árbol "¡Mantente firme!" ¡Resiste, es tu deber! ¡Resiste, a pesar de todo, a pesar de todas las inconsistencias, por favor,mantente de pie!

Sorpréndeme todos los días… Hazme reír, hazme llorar, hazme soñar, pero despiértame cuando crea que te he perdido pues no podría vivir sin ti, porque después de todo... eres lo único que tengo "ESPERANZA"
“Árbol de la esperanza, mantente firme y que VIVA LA VIDA” 

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO - EUGÉNE DELACROIX

Es el cuadro más representativo de la Revolución Francesa. 

La libertad guiando al pueblo, del autor francés Eugène Delacroix. Romanticismo.

El Romanticismo, como estilo artístico, se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX. Sus características básicas son las siguientes: 

• En arquitectura sobresalen los estilos neogótico y orientalizante.
• En escultura destacan la inspiración en hechos contemporáneos, el movimiento y la expresividad. Como autor destacado mencionar a François Rude.
• La pintura se caracteriza por el gusto por lo exótico (mundo oriental y/ Edad Media), el dramatismo, la pasión, los colores luminosos y cálidos, los contrastes violentos... Destacan los siguientes autores: Gericault y Delacroix (Francia), Constable y Turner (Gran Bretaña) y Friedrich (Alemania).

En esta obra se representa una escena en la que el pueblo de París levantó barricadas. Estos disturbios se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. Como no hubo alguien específico que dirigiera, Delacroix utiliza una alegoría, la cual es una mujer representando la Libertad que es quien conduce al pueblo.

En la obra se representa la unión de dos clases sociales: los burgueses y los demás, gente de barrio, bastante realista. Aparecen jóvenes, adultos, clase obrera, clase burguesa, soldados, etc. todos defendiendo la Libertad, que también representa a Francia.

La primera mitad del siglo XIX, cuando se desarrolla el movimiento romántico, se caracteriza por la inicial expansión de las ideas revolucionarias francesas debido a la actuación de Napoleón, a lo que sigue la reacción de las potencias absolutistas que se plasma en la Restauración y en la vuelta al Antiguo Régimen.

Pero, como expresa el cuadro, los pueblos europeos no consintieron por mucho tiempo esta opresión y en sucesivas oleadas revolucionarias, 1820, 1830 y 1848, acabarían imponiendo el liberalismo y el nacionalismo en gran parte de Europa.

ÉXTASIS DE SANTA TERESA - GIAN LORENZO BERNINI

Esta escultura fue creada por Gian Lorenzo Bernini. (Pintor, escultor, arquitecto, dramaturgo y escenográfico) (1647-1651). Barroco. Fue esculpida por este artista en su época de madurez.

Fue encargada por el cardenal veneciano, Federico Cornaro, para la capilla Cornaro de la iglesia de Santa María de la Vitoria de Roma.

Las dos figuras principales que centran la atención forman parte de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en el que cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro, que representa el amor divino.

La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras:

"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. El dolor era tan fuerte que me hacia lanzar gemidos, mas esta pena excesiva estaba tan sobrepasada por la dulzura que no deseaba que terminara. El alma no se contenta ahora con nada menos que con Dios. El dolor no es corporal sino espiritual, aunque el cuerpo tiene su parte en él. Es un intercambio amoroso tan dulce el que ahora tiene lugar entre el alma y Dios, que le pido a Dios en su bondad que haga experimentarlo a cualquiera que pueda pensar que miento... "