CONCIERTO CAMPESTRE - GIORGIONE

"Concierto Campestre", 1508/10, una de las obras más famosas del Alto Renacimiento, Escuela Veneciana. Se encuentra en el Museo del Louvre.

Obra del pintor Veneciano, Giorgio Barbarelli da Castelfranco.(1477-1510) Llamado "Giorgione".

Realmente, con la atribución de este cuadro ha habido un problema: Se le atribuye también a Tiziano, su discípulo, ya que Giorgione murió muy joven y parece ser que iniciara el cuadro y lo terminara Tiziano, sobre 1510. No hay exactitud, lo que si se sabe es que El Louvre lo tiene entre los cuadros que no se sabe autoría. La radiografía de la obra muestra que el desnudo femenino de la izquierda fue cambiado de posición en la última fase pictórica, lo que situaría el cuadro en los últimos años de la vida de Giorgione.

Observamos en el cuadro masas oscuras de árboles que llenan el paisaje, contrastando con elegantes arbolillos de finas hojas, como los pintará después Tiziano, y en ese paisaje un pastor tocando un instrumento. El doble fondo, es decir, un plano con las personas y un segundo con el paisaje. Vemos a dos muchachos elegantes, evidentemente artistas, sentados en el suelo, templan la guitarra, mientras sus dos compañeras, desnudas, carnosas y rotundas, una se entrega a la música y la otra vierte agua en un brocal de mármol. Es un anticipo de la Bacanal de Tiziano, aunque más intelectual y aristocrática. Es anteponer la moda de la época por expresar un sentimiento, por algo se decía que sus pinturas eran pura poesía.

Además, Giorgione coloreaba sin haber previamente dibujado y sombreado las figuras, por tanto su pintura no es algo proyectado sino una experiencia vivida, nacidas de la sensibilidad directa del artista hacia el mundo que le rodea. 

Aunque sobre el tema no hay acuerdo entre los especialistas: quizá el autor se inspiró en la Arcadia, país imaginario descrito por poetas y artistas donde reinaría la felicidad, la paz del mundo pastoril y de la naturaleza, o como en la isla "Utopía" de Tomás Moro, este país donde no hay más que felicidad está inspirado en mitos de la antigua Grecia, que Virgilio recreó en sus "Bucólicas". Esta obra permite apreciar el tránsito estilístico que se opera entre un siglo y otro.

FRESAS - MARC CHAGALL

La obra que me ha hecho traer a Chagall se conoce como Fresas. Bella e Ida a la mesa, está fechada hacia 1915-16 y fue realizada en suelo ruso. 

Es una obra temprana y todavía algo primitiva en su estilo, aún muy apegado a las formas más tradicionales y con un uso naturalista del color, pero creo que capta muy bien la esencia de Chagall. Bella, su primera mujer y el amor de su vida, junto a su hija pequeña Ida, sentadas a la mesa de su hogar disfrutando de grandes fuentes llenas de frutos rojos; un momento cotidiano que nos adentra a la intimidad del hogar familiar.

Una fotografía de la familia, años más tarde, de nuevo compartiendo una mesa y disfrutando de la fruta fresca y una taza de té.

Chagall era muy hogareño, le gustaba disfrutar de esos momentos de felicidad junto a su mujer e hija. Nació en Vitebsk, actual Bielorrusia, en el seno de una importante comunidad judía cuyo apego a las tradiciones, con la fuerte presencia de ritos, costumbres y simbología característica, marcaría profundamente al artista, que nunca abandonó sus raíces a lo largo de su amplia trayectoria. Si algo caracterizó a Chagall fue no ligarse a ningún grupo en particular, no formar parte de ninguna tendencia en concreto. El pintor ruso se mantuvo fiel a su propia identidad, a su forma de concebir la vida y la muerte, con un lenguaje muy particular, lleno de colorido, simbología y formas caprichosas. 

LA DANZA DEL POLVO EN LOS RAYOS DE SOL - Vilhelm Hammershøi

Esta silenciosa habitación en la penumbra parece carente de significado. El espectador se ve obligado a examinar la imagen sin ayuda alguna, sin las confortables estructuras interpretativas de la simbología que nos da el arte.

Es una de las obras más conocidas del pintor danés Vilhelm Hammershøi (1864-1916). Su título es poético, quizá un intento de dotar de una dimensión humana a un cuadro que choca no por la presencia de personas, sino por su ausencia. 

La habitación representada en la imagen está vacía, siendo el único elemento "vivo" el encuentro entre las motas de polvo y los rayos de sol que entran por una ventana y se proyectan ante una puerta y sobre el suelo. El título poético, sin embargo, es un añadido posterior, el pintor cuando expuso la obra, usó otro menos sentimental, traducible por "Rayos de sol" o "Luz de sol".

El lienzo fue pintado en la vivienda de Hammershøi, en un viejo edificio de la Strandgade 30 de Christianshavn (hoy parte de Copenhague). Presenta un motivo que repitió una y otra vez, con o sin muebles, con o sin fisuras, pero esta versión es el ejemplo más convincente. Sin embargo, el cuadro constituye una especie de enigma. No representa la vida vivida en esta casa. Aquí el protagonista es la luz, pero no de una que revele, sino usada para turbar, intranquilizar, en otra palabra, para desasosegar.

Este cuadro evoca una inquietante atmósfera de extrañeza, se vislumbran las motas de polvo como queriendo decir que ya no queda nada. El ego está solo. La obra representa no solo una estancia física, sino también un espacio mental, y más que ninguna otra cosa, muestra la soledad existencial del hombre moderno. Es la primera vez que prevalece el estado mental antes que el físico, por lo menos para mi. Es una censura en la psique humana. 

Me parece sobrecogedora, ni tan siquiera he querido subir más obras de Hammershøi, esta es la que me estremece y me gusta a la vez. Un peligroso mirar hacia atrás, un escalofrío, es como mirar con los dos ojos y que cada uno te diga algo distinto, con uno veo lo luminoso y claro, con el otro, sin embargo, lo impreciso y lo sombrío. Ahí queda la interpretación de cada uno.